Если ещё и остались в мире оплоты разума и острова спокойствия, то это – музеи. Они работают, в них устраиваются выставки, проводятся экскурсии, приходят посетители, но художники не могут не реагировать на то, что происходит в мире. Они живут не в безвоздушном пространстве, а рядом с нами и остро воспринимают всё окружающее. Даже скептически настроенный ум должен быть готовым принять неприемлемое, когда нет иной альтернативы. Об этом и рассказывается в предлагаемом тексте о шести новых выставках в Герцлийском музее современного искусства.
Шесть выставок семи художников «обыгрывают» знакомые бытовые предметы и элементы, разбирая их на части, перемешивая и персонифицируя. Столь кардинальные изменения и трансформации отражают нынешнюю атмосферу неизвестности, ощущение абсурдности и страха перед происходящим.
Смадар Элиасаф, Тамир Эрлих и Ной Хаймович, Марик Лехнер, Хила Тони Навок, Анна Перах, Яэль Франк
До 29 ноября 2021 г.
*****
Групповые экскурсии с гидом по музею проходят каждую субботу в 11:00 и в 12:00 (экскурсия проводится бесплатно, цена экскурсии включена в цену билета)
Марик Лехнер: Книга перемен
Лауреат премии Лорен и Митчелла Прессер за вклад в современное искусство, 2001г.
Куратор: Д-р. Айя Лурье
На экспозиции представлены одиннадцать больших гобеленов – настенных ковров, над которыми Марик Лехнер трудился в последние годы. Эти мягкие шерстяные гобелены завораживают своей яркостью и красотой. Марик Лехнер сплетает\ткет апокалиптические картины эпических масштабов, на которых переплетаются стремительно меняющиеся образы круговорота жизни и угрозы существованию: ужас, искушение, страсть, рост, смерть и утрата. Ковры пестрят страшными чудищами, удивительными вымышленными зверьми и трогательными человеческими существами, которые переплетаются между собой, создавая ускользающую дистопию, окутанную мрачной загадочной атмосферой.
На протяжении долгого времени Лехнер писал масляные картины, эскизы и акварели, а несколько лет назад неожиданно представил на суд публики цикл тканных произведений ручной работы – намеренно небрежных. Этим шагом художник продемонстрировал свою тягу к ремесленному искусству и произведениям из текстиля, которые воспринимаются большинством как декоративные и традиционно женские. Лехнер родился в семье репатриантов из бывшего СССР и с детства ощущал неразрывную связь с народными ремеслами. «Стены родительской квартиры в Черновцах были увешаны пестрыми коврами с изображениями сказочных существ, сцен из русских былин и фольклора», – расссказывает Лехнер. – В бывшем СССР ковры вешали на стены в качестве украшения, а также ради поддержания тепла в помещении. И после переезда, уже в Израиле, несмотря на разницу в климате и культурные различия, родители повесили ковры на стены».
Лехнер заменил привычные ковровые сюжеты мрачными картинами, на которых зашифрованные символы служат отражением нынешней реальности – страшные чудища безжалостно поглощают друг друга, порождая утрату, неволю, болезненные пристрастия, эксплуатацию слабых, страх одиночества, болезни, немощность и смерть. На произведениях прослеживаются отголоски событий последнего года – хаотичные сюжеты свидетельствуют о потере ориентиров. Ковры сотканы намеренно небрежно – нитки разной длины, распущенные участки, дыры, аппликации и аэрозольные краски придают работам особую экспрессивность. Гобеленовы цикл Лехнера можно трактовать как аллегорию укора, выступающую против многолетних традиций и устоев. Это протест, вытекающий из культурного кризиса эмиграции. Разрушительная сила выражается в самой работе ткача – острое лезвие тафтингового пистолета, который используется для прошивки ковров, пробивает ткань снова и снова, напоминая пулеметную очередь.
Марик Лехнер родился в 1967 году в Украине, репатриировался в Израиль с семьей в 1973 году, живет и работает в Беэр-Яакове. В 2001 году окончил с отличием Колледж искусств Бейт-Берл. Лауреат многих премий: Премия фонда Шарет (1998), Премия им. Брукнера-Нетты (2004) и Премия им. Оскара Гендлера под эгидой Музея борцов гетто (2011). Участвовал в персональных и групповых выставках в Израиле и за рубежом. Выставлялся в Тель-Авивском музее изобразительных искусств, музее Martin-Gropius-Bau в Берлине, Художественном музее Хайфы, Музее искусств Эйн-Харод, художественной галерее им. Гени Шрайбер в Тель-Авивском университете, галерее Гивон в Тель-Авиве, галерее Умм-эль-Фахм, Galerie Hamburg Feinkunst Krüger в Гамбурге.
*****
Яэль Франк: GRID
Лауреат премии «Кешет» за вклад в современное искусство, учрежденной семьей Бар-Гиль Авидан
Куратор: Пол Хобсон
Выставка Яэль Франк состоит из видеоарта и скульптурных инсталляций, экспозиция вырывается за пределы выставочного зала и перетекает в фойе музея. Франк находит шутливую трогательную метафору для изображения циничности израильской политики. Для достижения нужного эффекта художница использует окутывающую зрителей атмосферу и фрагментарные искаженные формы.
GRID – сетка, давшая название выставке, служит базисной формой, которая удерживает инсталляцию в определенном пространстве (site-specific), и четко прослеживается в снятом в рамках выставки фильме «Салями». На кадрах запечатлена модель когтеточки для котов в форме ивритского слова «шалом» – мир. Деление слова на составные части нейтрализует его статус в нынешнем дискурсе, подчеркивая предпочтение ежедневной рутины попыткам оценить будущие перспективы. Слово «шалом» появляется в форме величественных руин на видеокадрах и на экспозиции по всей территории галереи, включая фойе музея. Таким образом, зрители погружаются в атмосферу разрухи, оказываясь участниками политического провала.
Присутствие кошек в кадре усиливает ассоциацию с типичным городским израильским пейзажем, который изобилует уличными котами. Кошачья амбивалентность – равнодушие к морали, территориальность и склонность к мимоходному колониализму – завораживают художницу. Еще одна важная часть выставки – мячи для фитнеса, слепленные из глины, с длинными смешными керамическими носами. Обрушившаяся на мир пандемия наделила композицию новым смыслом: похоже, речь идет о вынужденном занятии спортом в стенах дома – абсурд массовых тренировок, которыми дирижирует ведущая спортивной телепередачи.
Сетка используется в этом проекте для того, чтобы сбить зрителя с толку, усложнив восприятие. На кинокадрах сетка буквально размещает и упорядочивает зрительную информацию в пространстве. Кажущаяся бессмысленной попытка «начертить» и преобразовать понятие «мир» – это символический акт с отсылкой на множественные культурные и философские ассоциации, для которых характерна дезориентация, фрагментация и последующий коллапс.
Куратор выставки Пол Хобсон, директор музея Музея современного искусства в Оксфорде, Великобритания. В течение последних двадцати лет Хобсон занимал ведущие руководящие должности в ряде лондонских художественных учреждений, включая Ассоциацию современного искусства Contemporary Art Society, The Showroom, художественную галерею «Серпентайн» и Королевскую Академию художеств.
Основанный в 1965 году в Оксфорде Музей современного искусства считается одним из ведущих музеев современного искусства в Великобритании. В музее нет постоянной экспозиции – выставки, многие из которых можно смело назвать новаторскими и сенсационными, постоянно обновляются. Среди прочего здесь прошли выставки Барбары Крюгер, Джереми Деллера и Кики Смит. Прямо сейчас Хобсон готовится к новой выставке Марины Абрамович, которую планируют открыть в нынешнем сезоне.
Члены жюри Премии «Кешет»: кураторы Эдна Мосензон, Салли Хафтель-Наве и Рула Хури, художник Давид Адика и учредительница премии Керен Бар-Гиль.
Яэль Франк (1982), живет и работает в Тель-Авиве. Окончила вторую академическую степень в Академии искусств и дизайна «Бецалель». Первая академическая степень из Купер-Юнион, Нью-Йорк. Лауреат премии «Кешет», учрежденной семьей Бар-Гиль Авидан, Герцлийский музей, 2019 г., лауреат Премии им. Ингеборг Бахман, учрежденной Ансельмом Кифером, Фонд Вольф. Участница арт-резиденции Artport, Тель-Авив (2019-2020). Граны и стипендии: Artis, Ostrovsky Fund, Rabinovich Foundation и Мифаль а-Паис. Участвовала в персональных и групповых выставках в Израиле и за рубежом: Музей FuturDome, Милан; Национальная галерея искусств Zachęta, Варшава; Дом Искусств, Брно, Чехия; MWW Вроцлавский музей современного искусства, Польша; Тель-Авивский музей изобразительного искусства; Израильский центр цифрового искусства, Холон; Центр современного искусства, Тель-Авив.
****
Анна Перах: Лунное пророчество
Куратор: Д-р. Айя Лурье
Название выставки «Лунное пророчество» навевает ассоциации с апокалиптическими проповедями и астрологическими теориями, вынуждая нас вспомнить о связи между лунным затмением и библейскими предсказаниями конца света, такими, например, как в Книге пророка Иоэля: «Солнце обратится в кровь, и луна не даст света своего. Таковы знамения конца вселенной!» В работах Анны Перах присутствуют мрачные и, вместе с тем, манящие элементы замкнутой трансформирующейся системы, в рамках которой неодушевлённое становится одушевленным, покорное – доминирующим, а знакомое – чуждым.
Ядро выставки составляют три скульптуры размером в человеческий рост. В течение последних лет Анна Перах разрабатывала технику тканных скульптур-нарядов, используя в работе тафтинговый пистолет. Выставки художницы сопровождаются живыми представлениями, в которых участницы перформанса примеряют на себя скульптуры, в буквальном и переносном смысле, исполняя сценические ритуальные движения – смесь современного танца и древних обрядовых плясок.
Для Анны Перах, приехавшей ребенком из бывшей советской Украины в Беэр-Шеву, тема тканных ковров несет в себе глубокую смысловую нагрузку. Восточные ковры претерпевали в русской, а затем советской культуре множественные изменения: от роскоши времен великой империи 17 века, и до промышленной революции 20 века, когда коврами пытались прикрыть и приукрасить серость советских квартир. Облачение танцовщиц в тканые ковровые наряды будит ассоциации с древними славянскими обрядами – орнаменты вышивок однозначно указывают на связь с ними. Превращаясь в одежду, скульптуры изолируют танцовщиц от окружающего мира, сковывают и ограничивают их движения. Вместе с тем, пышные наряды подчеркивают театральность действа. Таким образом, верхняя одежда служит символом внутренних переживаний человека, столкнувшегося вследствие эмиграции с культурными различиями, необходимостью заново найти свое «я», включая обозначение меняющихся гендерных ролей.
Анна Перах родилась в 1985 году в Украине, живет и работает в Лондоне. Репатриировалась в Израиль ребенком в 190-х годах и поселилась вместе с родителями в Беэр-Шеве. Окончила первую академическую степень в Академии искусств и дизайна «Бецалель» в 2008 г. и вторую академическую степень по искусству в Голдсмитском колледже в Лондоне в 2016 г. Участвовала во многих персональных и групповых выставках в национальных и частных музеях и галереях в Лондоне, Брюсселе, Афинах, Будапеште и Тель-Авиве. Это первая музейная выставка Анны Перах в Израиле.
****
Тамир Эрлих и Ной Хаймович: Never Lose Your Head And…
Куратор: Лилах Овадья
С древних времен люди внимают пророчествам о близящемся конце света, с ужасом ожидая апокалипсиса или катастроф всех видов – от природных катаклизмов до атомных войн. Тамир Эрлих и Ной Хаймович создают для нас пространство «нью-эйдж», в котором угрозы изнутри и извне становятся все более абстрактными, лишенными какой-либо формы, подчеркивая страх смерти, страх конца – личного и коллективного.
Создатели выставки приглашают нас заглянуть внутрь этого пространства, в котором объекты общаются на понятном нам языке домашнего уюта, очерчивая, таким образом, безопасную территорию, и, в то же время, безжалостно указывая вновь и вновь на множественные внешние угрозы – буквальные или надуманные. Эти объекты расположены на шкале от прикладного до декоративного, они демонстрируют ряд стилей и трендов нескольких десятилетий, вызывая смешанные чувства – от ностальгии по былому до страха перед будущим.
Табличка на входе в выставочный зал гласит: «Ни в коем случае не теряйте самообладания и…». Эта фраза взята из руководства к действию в случае ядерной атаки. Подобные руководства, включавшие в себя указания касательно сна, очищения зараженной воды, потребления пищи, оказания медицинской помощи и досуга в условиях апокалипсиса, публиковались в десятках брошюр и пособий, которые выпускало правительство США в эпоху Холодной войны. Художники использовали их в своей работе. Общая рекомендация «ни в коем случае не терять самообладания» на самом деле невыполнима. Она и указывает на главное противоречие, вокруг которого строится экспозиция, согласно которому любая наша попытка контролировать кризисную ситуацию неизбежно вызывает чувство ужаса и сильной тревоги и, как следствие, сама перерастает в кризис.
Помимо данного проекта Эрлиха и Хаймовича посетители могут увидеть еще одну работу художников, которую Герцлийский музей приобрел в свою постоянную коллекцию – это интернет-сайт под названием BIDUD (самоизоляция). Здесь собраны более пятидесяти виртуальных журналов израильских художников, которым создатели сайта предложили поделиться своими ощущениями и переживаниями в период объявленного в Израиле вследствие вспышки эпидемии COVID-19 локдауна. Интернет-сайт стал частью проекта «Дневники COVID-19». Средства на приобретение произведения были любезно предоставлены профессором Михаэлем Адлером (ныне покойным) и НКО «Музей Герцлии».
Участники жюри проекта: художница профессор Шарон Полякин, куратор Йона Фишер, куратор Тали Бин-Нун, куратор Ран Касми-Илан, куратор Лилах Овадья, куратор д-р Айя Лурье.
Тамир Эрлих родился в 1994 г. в Холоне. Окончил вторую академическую степень по специальности «скульптура» в Королевском колледже искусств в Лондоне и первую академическую степень в Академии искусств и дизайна «Бецалель» в Иерусалиме. Учился на отделении медиа-арт в Академии изящных искусств Варшавы, в рамках программы по обмену студентами обучался в Университете имени Эразма Роттердамского, Нидерланды. Участвовал во многих выставках в Германии, Великобритании, Польше, Израиле.
Ной Хаймович родился в 1988 году в мошаве Мишмар-Аялон. Окончил первую и вторую академическую степень в Академии искусств и дизайна «Бецалель» в Иерусалиме. Участник арт-резиденций: East of Elsewhere, Берлин; Академия изящных искусств, Мюнстер; Standpoint Gallery, Лондон и др. Выставлялся в Германии, Великобритании, Польше и Израиле.
Этот творческий тандем впервые участвует в музейно выставке в Израиле.
****
Смадар Элиасаф: Огонь и пыль
Куратор: д-р Айя Лурье
Текст: д-р Айелет Зоар
Студия Смадар Элиасаф – это камера-обскура: темная комната, в которой рождаются образы-следы. Образы появляются в результате касаний и движений – это следы ног, следы тел и кожи. Стены и пол помещения сами рисуют картины в процессе бесконтрольного бессознательного, намекая на процесс фотографии и автоматичность в целом. Эти картины – следы присутствия, знаки-индексы процессов, происходящих вне поля зрения, помимо воли, вне осознанных решений и свободы выбора. Здесь будет уместно вспомнить идеи Фрейда о процессе фотографии как метафоры бессознательного. Картины художницы рисуют себя сами, наподобие «случайных» фотоснимков – серия немых улик действия, которое имело место. «Темная» сторона произведений Смадар Элиасаф заключается в использовании мрачных красок, разрыве и распиливании самого формата живописи, а также служит угрюмым напоминанием об опасностях, поджидающих вне стен дома.
На заре своего творчества художница использовала в качестве кисти собственную одежду, пропитывая ее краской и рисуя ей на холсте. Картины несли в себе память процесса работы. В своем монументальном труде Готфрид Земпер указывает на неразрывную связь между архитектурой и текстильными видами искусства. Элиасаф часто объединяет ткань с текстурой различными способами, среди прочего, художница разбирает деревянные рамы и собирает из них новые формы, напоминающие традиционное японское строительство, которое развивалось с учетом постоянной угрозы разрушения дома из-за частых землетрясений, характерных для этого региона.
В последней серии работ художницы явно прослеживается намек на поврежденную кожу, отсылая к понятию «Я-Кожа» Дидье Анзьё. Анзьё рассматривает кожу как защитный слой на границе внутреннего «я» и внешнего мира. С другой стороны, в китайской медицине, кожа считается эдаким «решетом», которое позволяет энергии и «духу» проникать снаружи вовнутрь и наоборот. В своей новой серии работ Смадар Элиасаф указывает на противоречия между этими трактовками, демонстрируя поврежденную, разорванную, израненную кожу. Проникая через эти «прорехи», внутреннее «я» и внешний «мир» контактируют и перетекают из одного в другое. Раны на внешнем слое позволяют внутренним образам функционировать на поверхности – в душе и теле.
Смадар Элиасаф родилась в 1952 г. в Хайфе. Училась в школе искусств «Мидраша» в Рамат-ха-Шароне, с 1997 по 2003 год преподавала в школе искусств «Мидраша» и в Колледж искусств Бейт-Берл. В 1995 году удостоилась премии Министра науки и искусств. Ее работы приобрели для своей постоянной коллекции многие музеи, а также частные лица. Начиная с семидесятых годов участвовала во многих персональных и групповых выставках в израильских музеях и галереях: в Тель-Авивском музее изобразительных искусств, Музее искусств Эйн-Харод, Музее искусств в Петах-Тикве, Музее израильского искусства в Рамат-Гане, Художественном музее Хайфы, галерее Julie M в Тель-Авиве, галерее «Гордон» в Тель-Авиве.
*****
Хила Тони Навок: В ожидании солнца
Куратор: д-р Айя Лурье
Выставка скульптур Иллы Тони Навок проходит в большом зале музея. Это крупномасштабная кинетическая инсталляция, подчеркивающая ранимость, боль и красоту, которые кроют в себе материалы, укрывающие нас от яркого израильского солнца.
Это произведение было спланировано специально для данного пространства. Художница использовала уникальную форму потолка зала, состоящего из ряда задрапированных/прикрытых окон. Таким образом, проникающий в выставочный зал естественный солнечный свет и потолочное покрытие служат «строительными материалами» для скульптурной экспозиции.
Центровая скульптура, вокруг которой строится экспозиция, сооружена из деревянных навесов и покрытий из ПВХ, которые широко используются в строительстве домов и торговых центров. Художница ваяет из этих материалов подвижную скульптуру. Это сооружение словно вырастает и разбирается на части одновременно, маня зрителя заглянуть внутрь, присесть и по-новому посмотреть на знакомые каждому израильтянину материалы, кажущиеся теперь такими абстрактными.
Члены жюри Премии банка Дисконт: управляющая коллекцией банка Дисконт г-жа Шуламит Нус, куратор Ирит Адар, директор Christie’s Israel Рони Гилат-Барахафф, куратор Рони Коэн-Биньямини.
Хила Тони Навок родилась в 1974 году в Тель-Авиве, занимается скульптурой и живописью. Окончила первую академическую степень по профессии дизайн в Академическом центре ВИЦО, Хайфа, и вторую академическую степень в Академии искусств и дизайна «Бецалель», Иерусалим. Преподает скульптуру в Академии искусств и дизайна «Бецалель» и колледже «Шенкар». Лауреат Премии банка Дисконт, Герцлийский музей (2020); лауреат Премии Раппопорта, Тель-Авивский музей изобразительных искусств (2020); лауреат Премии министра культуры (2019) и премии им. Колинера для молодых израильских художников, Музей Израиля, Иерусалим (2018). Участвовала во многих персональных и групповых выставках в Израиле и за рубежом. На станции «Навон» на въезде в Иерусалим установлена одна из ее скульптур. В 2018 году и 2019 году опубликовала две книги, одну из них в независимом израильском издательстве «Локус».
Герцлийский музей современного искусства
ул. Ха-Баним 4, Герцлия
Часы работы музея:
Понедельник, вторник, среда, четверг, пятница и суббота с 10:00 до 14:00
По вторникам и четвергам с 16:00 до 20:00
По воскресеньям музей закрыт
Цена билета: 30 шекелей.
Бесплатный вход в музей для членов клуба, детей до 18 лет, членов организации «Яд ле-баним», журналистов и членов Ассоциации музеев Израиля
Фото: Маша Хинич
Recommended for you
Leave a Reply
Этот сайт использует Akismet для борьбы со спамом. Узнайте, как обрабатываются ваши данные комментариев.
