Share

Tweet

Share

Share

Email

Comments

Заглавная иллюстрация: Анна Лукашевская. День Независимости

В Хайфском художественном музее полтора месяца назад открылся кластер новых выставок «Типажи». Хайфские типажи в первую очередь, а во вторую – типажи всего мира.

«Типажи» – так называется и одна из двух центральных выставок этого кластера – персональная репрезентативная выставка Анны Лукашевской. Серия портретов – от типажей, будто сошедших со страниц книг Толстого и Достоевского, типажей реализма и трагедии, до всех , кто населяет Хайфский район Адар – «русские» репатрианты, восточные евреи, арабы, старики, матери-одиночки, рабочие, студенты, веселая молодежь, маргиналы, наркоманы, бездомные. «Нормативные» типажи тоже попадаются, но какое это ужасное слово «норматив», и, хорошо, что нормативные люди не соответствуют нормативным рамкам. Стереотипов здесь нет – за каждым портретом судьба, рассказ, жизнь, травмы, переживания, слезы, радости..
Дальше всё (кроме эмоций, слез, радости) – в нижеприведенном официальном пресс-релизе. Перед тем, как перейти к его чтению, не поленитесь прочесать интернет в поисках информации об очень известном, пожалуй, даже знаменитом албано-итальянском видео-художнике Адриане Пачи. Он – удивительный, поражающий и да – опять это определение – гипнотизирующий. И гипнотизирует всех, иначе как объяснить то, что главный куратор Хайфского музея искусств Коби Бен-Меир отдал его работам целый этаж?

И еще одна рекомендация: не бегите в музей, а идите медленно. На бегу выставки Ани Лукашевской и Адриана Пачи не рассмотреть… Их экспозиции требуют времени, а также – повторю – слез и радости.

А теперь официальный пресс-релиз музея:

Нынешний выставки исследуют социальный портрет: изображения людей, которые являются не только визуальной репрезентацией личности, но и отображением социального, экономического и политического статуса. Выставки исследуют взаимоотношения между индивидуальным и коллективным, а также как человек воспринимает свое окружение.

На выставках доступен русскоязычный аудиогид, который посетители могут прослушать со своего телефона при наличии наушников. Для того, чтобы воспользоваться аудиогидом достаточно отсканировать QR-код, расположенный у лестничных пролетов в музее. Также будет доступна брошюра с информацией о выставках на русском языке.

В рамках выставок каждую последнюю субботу месяца в музее будут проводится экскурсии на русском языке в 13:00, 30.4. 28.5, 25.6
Кроме этого в музее пройдут три мастер-класса на русском:
30.4, сб, в 11:00 — мастер-класс по созданию портретов из пластилина | 8+
28.5, сб, в 11:00 — мастер-класс по созданию портретов в технике коллажа | 8+
25.6, сб, в 11:00 — мастер-класс по созданию видеоарта | 10+
Подробности и регистрация доступны на сайте hma.org.il/rus

Адриан Пачи. Полная тишина

Занимающая целый этаж выставка представляет собой широкий обзор видеоработ всемирно известного художника Адриана Пачи, начиная с его самой ранней работы 1997 года и заканчивая мировыми премьерами двух его работ 2021 года. Пачи — один из самых самых выдающихся и влиятельных современных авторов, который вот уже более двадцати лет с особой чуткостью и гуманистическим подходом реагирует на текущие политические и социальные потрясения. Его искусство сосредоточено на личности, на отдельных людях, живущих в коллективе. В своих видео Пачи исследует их голоса, выражения лиц и язык тела на подобии того, как это делает художник в портретной живописи. Взгляд художника смещается от крупного плана и тщательного изучения конкретных людей и уникальных ситуаций, к общему плану и размышлению об универсальных концепциях и чувствах, таких как боль от потери и попытка ее преодоления.

Пачи родился в Шкодере, Албания, и иммигрировал в Италию в 1997 году. В своих работах он обращается к состоянию лиминальности: нахождению между различными пространствами, временами и культурами. Интервалы и промежутки, исследуемые в его работах, практически пусты: они переполнены воспоминаниями и желаниями, которые не могут быть полностью выражены. Неподвижность, тишина, паузы, фрагментарные тексты и незавершенные повествования являются основными элементами его работ. Посредством чуткого эстетического видео-исследования, Пачи заполняет текстовые и звуковые пустоты изображениями, которые формулируют то, что слова передать не в силах. Они передают желание исцелиться, преодолеть травму, достичь чувства принадлежности и держаться за близких.

Персональные выставки художника проходили в различных музеях мира, включая Музей современного искусства в Нью-Йорке (MoMA), Национальный музей искусств XXI века в Риме (MAXXI) и в Музей современного искусства в Стокгольме. Его работы находятся в коллекции таких музеев как Центр Помпиду в Париже, Музее современного искусства и в Музее Гуггенхайма в Нью-Йорке, и в др.

 

Анна Лукашевская. Типажи

Данная выставка является первой персональной музейной выставкой художницы Анны Лукашевской. Выставка демонстрирует портреты, написанные художницей за последнее десятилетие, в которых она изучает обширное социальное и демографическое разнообразие в Хайфе.

С глубокой симпатией к эксцентричным мужчинам и женщинам, Анна Лукашевская бродит по окрестностям своей студии на Адаре в Хайфе, «охотясь» на улицах за так называемыми типажами: людьми, которые вписываются в четкие этнические и социальные характеристики, но при этом что-то уникальное в их личности выделяется и привлекает взгляд художницы. Когда она встречает интересную личность, она тут же, на месте, делает набросок, а затем приглашает этого человека в свою мастерскую. Там в течение нескольких сеансов, беседуя с моделью, она пишет ее портрет, извлекая многоплановую личность из этно-социальной категории.

Анна Лукашевская родилась в Вильнюсе, репатриировалась в Израиль в 1997 году и работает в Хайфе с 2011 года. Будучи в статусе репатриантки, она наблюдает за хайфским пространством с точки зрения антрополога. Оригинально и с юмором, она анализирует городскую среду, изображая широкий демографический диапазон, составляющий культурное многообразие Хайфы. Ее картины — это социальные портреты: на них изображены человеческие личности, с уникальной генетикой, эмоциями и идеями. И в то же время это портреты социального класса и тех жизненных обстоятельств, которые повлияли на принадлежность портретируемых к той или иной социально-экономичесой группе. Творчество Лукашевской — это живопись наблюдения, в полном смысле этого слова, потому как она наблюдает за людьми в различных аспектах: визуальном, социальном и психологическом.

 

Волкан Кизилтунч и Август Зандер. Взгляд

Выставка фокусируется на фото- и видео-портретах двух авторов, родившихся с разницей в сто лет – Волкана Кизилтунча и Августа Зандера. Субъекты съемок смотрят прямо в камеру, но это не мгновенный односторонний взгляд, а долгое наблюдение, которое происходит между фотографом и фотографируемым. Взгляд выступает здесь как инструмент диалога между двумя субъектами, посредством которого они признают субъективность друг друга. Связь, сформированная взглядом между художником и портретируемым, теперь возникает между зрителем и произведением.

В 1920-х годах немецкий фотограф Август Зандер начал работу над своим эпическим проектом «Люди ХХ века» (Menschen des 20. Jahrhunderts). В течение примерно сорока лет Зандер фотографировал сотни немцев в их повседневной жизни, будь то на работе или дома. Эти работы представляют собой своеобразный портрет Германии в период Веймарской республики. Работы Зандера оказали сильное влияние на художника-новатора Волкан Кизилтунч, работающего в Стамбуле, и являются источником вдохновения для его видеокомпозиций. Используя схожие визуальные средства и снимая людей на фоне их естественной среды, каждый из этих двух художников выстраивает диалог между личным и общественным, затрагивая социальные и классовые проблемы.

Наряду с семью редкими снимками Августа Зандера 1920-х годов, на выставке представлены две видеоинсталляции Волкана Кизилтунча и его новая книга, созданная специально по запросу Художественного музея Хайфы и которая будет представлена в первые.

Комнаты художников. Авива Ури и Реувен Берман Кадим

Две галереи музея посвящены израильским художникам Авиве Ури и Реувену Берману, чьи работы находятся в коллекции Художественного музея Хайфы. Выставка мифической художницы Авивы Ури сфокусирована на обширном разнообразии техник, используемых художницей. Выставка Реувена Бермана Кадима в свою очередь сфокусирована на открытом саркофаге, новом поступлении в музейную коллекцию, подаренный музею семьей художника. Куратором выставки Реувена Бермана выступила Лимор Альперн.

Комната художницы. Авива Ури

«Линия есть ощущение, способность чувствовать, луч, сущность которого мы еще не знаем. Но я вижу эту сущность ясно; все, что мы делаем — зарисовываем, гравируем — вызывает скорбь о нашей неспособности, о неспособности нашего знания. Конец линии, а есть ли конец? […] Линия «хороша» и является «искусством», не тогда, когда она виртуозна, эффектна, графична и великолепна; а когда она дышит, как только что родившееся существо, и содержит в себе что-то от знания прошлого и воспоминаний о будущем, обо всем, что существует и произойдет в будущем во Вселенной и ожидает своего откровения, решения загадки… А бумага, бумага — это мир». Авива Ури «Линия», 1984

Способность Авивы Ури затрагивать чистые эмоции, а также интенсивная выразительность, типичная для ее работ, сделали ее очень влиятельной, поистине мифической фигурой в истории искусства Израиля. На выставке представлена выдающаяся подборка работ Авивы Ури из коллекции Художественного музея Хайфы.

Основными средствами выражения художницы были линия и бумага, которые она противопоставляла друг другу, используя широкий спектр техник. В то время как многие выдающиеся художники-рисовальщики сосредотачивались на одном материале, Ури часто комбинировала разные материалы для рисования, и многие из ее гравюр становились уникальными работами, после того как она дополняла их рисунками от руки. Каждый материал и каждая линия имеют свое звучание — уникальную текстуру, толщину и оттенок. В каждом произведении Ури есть спектр дифференцированных, резких, порой дисгармоничных звуков, из которых она мастерски создает композиции, полные жизни и движения. Ури действовала из побуждения выразить себя прямо, непосредственно, откровенно. Под руководством тонкой интуиции художницы, одна линия вела к другой, а применение одного материала приводило к использованию другого. Ее произведения равносильны набору нот жизненного диссонанса, сложенных вместе в хорошо организованные гармонии, в которых нет утешения, а только принятие и великая вера в силу искусства очищать душу.

Комната художника. Реувен Берман Кадим

«Мое искусство происходит в иной сфере, связанной больше с некой медитацией, ощущением порядка, единства с природой и космосом. Об этом можно говорить в терминах построения графиков системных явлений или написания математических интерпретаций, но это на самом деле не объясняет того, что происходит. Научные описания не учитывают духовный опыт».

Реувен Берман Кадим «Геометрическое искусство: скрытый порядок природы», 2010

Реувен Берман Кадим уникальный художник в израильском искусстве. Его творчество соединяет в себе знания из области науки, теологии и искусства. С 1960-х годов Берман Кадим разрабатывал способы выражения геометрической абстракции, глубоко изучая возможные проявления геометрических форм. В отличие от преобладающей в местном искусстве абстракции, которая обычно придерживалась непосредственного наблюдения за объектом или пейзажем, работы Бермана обращаются к геометрическому порядку, очищенному от любой связи с видимой реальностью, следуя своим внутренним законам. Однако целью художника не является изучение формы как таковой, а выход в более высокое духовное измерение посредством этой самой формы.

Берман Кадим изучал архитектуру древних храмов Средиземноморского бассейна. Благодаря им он открыл метод геометрических мотивов, основанный на воспроизведении основных форм, таких как квадрат или треугольник, что позволяет выстроить их в богатую многослойную систему. Хотя эти мотивы и выстроены по математическим формулам, этот язык, как ни удивительно, используется и в научных исследованиях органических материалов. Цветовая палитра в работах Бермана Кадима вертится вокруг двух дополнительных цветов, оранжевого и синего. На основе этой оси с добавлением резкого контраста между светом (белым) и тенью (черным) выстраивается цветовая гамма, характерная для местных ландшафтов и архитектуры. Сочетание формы и цвета создает гармонию и эстетическое совершенство, уводя зрителя в духовную медитацию.